Elena Egea, «scolpire l'arte sacra è un modo di evangelizzare nel silenzio».»

Cari artisti, voi siete i custodi della bellezza; grazie al vostro talento, avete la possibilità di parlare al cuore dell'umanità, di toccare la sensibilità individuale e collettiva, di risvegliare sogni e speranze, di allargare gli orizzonti della conoscenza e dell'impegno umano. Siate dunque grati per i doni che avete ricevuto e siate pienamente consapevoli della grande responsabilità di comunicare nella bellezza e attraverso la bellezza. Anche voi, attraverso la vostra arte, siate araldi e testimoni di speranza per l'umanità".

Con questa citazione di Papa Benedetto XVI, la scultrice madrilena ha iniziato la sua dissertazione sulla tesi di laurea. Elena Egea. La sua grande ossessione, dice, è che le sue opere siano una testimonianza e un ponte verso la bellezza: «l'artista è chiamato a creare bellezza».

In un contesto artistico caratterizzato dall'immediatezza visiva, dall'IA e dalla produzione di massa, potrebbe sembrare che l'arte sacra sia superata o addirittura appartenga a un'altra epoca. Tuttavia, Elena dimostra il contrario: l'immaginario religioso non solo è ancora vivo, ma ha urgente bisogno di un nuovo sguardo. Il suo lavoro propone un rinnovamento del linguaggio della scultura sacra basato sulla sensibilità contemporanea, sulla ricerca tecnica e sulla riflessione spirituale.

Elena si chiede perché l'arte sacra si ostini a rappresentare le stesse scene bibliche quando ci sono molti altri passaggi, altrettanto rilevanti e ricchi di significato, che sono stati appena esplorati dalla scultura. Lungi dal riprodurre modelli tradizionali o formule ereditate, Egea intende la scultura religiosa come un'opportunità di sperimentazione, umanità e rischio creativo.

Creare senza solennità per raggiungere il sacro

Uno degli aspetti più sorprendenti del suo processo è l'approccio all'immagine devozionale. A differenza di quanto ci si potrebbe aspettare, egli non lavora a partire dal peso simbolico o dalla pressione spirituale della commissione.

Durante la creazione, evitate di pensare che state scolpendo una Madonna o un Cristo.

“Se si tratta il lavoro come qualcosa di sacro fin dall'inizio, ci si blocca dalla responsabilità che questo comporta. È importante lasciar fluire il proprio modo, il proprio gesto e la propria concezione dell'immagine. Quando faccio una Madonna o un Cristo, non mi rendo conto di aver fatto un'immagine religiosa finché non la finisco e vedo la gente che la prega”.

Questo allontanamento gli permette di conservare la sua onestà espressiva. Solo più tardi, quando l'opera esce dal laboratorio ed entra nello spazio liturgico, si rende conto del suo impatto: i fedeli si inginocchiano, gli sguardi si commuovono, si generano silenzi davanti all'opera. Fu allora che comprese la vera dimensione del suo lavoro: aveva creato un'immagine capace di suscitare devozione.

Una Madonna, nel mondo di oggi

La Vergine incinta di Elena nasconde una storia particolare. Rappresentare una Vergine nel mondo di oggi significa andare completamente controcorrente. E ancor più in un'università come la Complutense. Elena l'ha scolpita come parte del suo progetto di laurea finale e dice che scegliere l'arte sacra in questo contesto è stato, in un certo senso, «un modo di evangelizzare in silenzio».

Tanto che una delle sue più care compagne le ha confessato: «Elena, non posso più scherzare con la Vergine perché ora le do un volto». È rimasta colpita nel vedere che a volte non c'è bisogno di parole, ma che le immagini stesse parlano da sole.

La sfida dell'artista: aggiornare senza perdere l'essenza

Per Elena, la sfida per gli artisti è quella di rinnovare l'arte sacra senza perdere la sua essenza: “La società di oggi non ha bisogno di quello che aveva bisogno cento anni fa. Viviamo in un mondo molto visivo in cui tutto è rappresentato con le immagini. Se l'arte sacra vuole continuare a connettersi, deve essere aggiornata”.

Mentre l'architettura religiosa si è evoluta verso spazi moderni e luminosi, la scultura è rimasta ancorata a modelli seriali e ripetitivi, eredi dell'industrializzazione e dei laboratori di riproduzione di massa.

Nuove iconografie

Tornando alla Vergine incinta di Elena, si può dire che ha affrontato una rappresentazione quasi inesistente nella storia dell'arte. Un'immagine intima, umana, vulnerabile.

Elena ha voluto scolpire il periodo di raccoglimento e di attesa della Vergine per l'arrivo di Gesù: “Per me è il momento in cui doveva pensare di più. Era incinta dello Spirito Santo e avrebbe avuto una certa incertezza. Questa tensione emotiva è difficilmente rappresentabile.

L'opera è stata esposta in una chiesa parrocchiale di Madrid e ha ricevuto un'accoglienza inaspettatamente calorosa. È stata la conferma che c'era un reale bisogno di nuove immagini.

In seguito, come parte della sua tesi di laurea, ha creato una scultura che rappresenta il momento in cui Gesù si inginocchia davanti alla lapidazione di Maria Maddalena. Anche in questo caso, un passaggio poco trattato, incentrato sulla compassione.

Tecnologia contemporanea, spiritualità antica

Dal punto di vista formale, il suo lavoro rompe con la tradizione anche per quanto riguarda i materiali utilizzati.

Egea utilizza calchi dal vero, tele impregnate di gesso, strutture metalliche e concetti semiotici legati all'arte «indicale». Le tele conservano la traccia del corpo assente, come una traccia fisica di qualcosa che c'era. L'opera diventa così la “presenza di un'assenza”, un'idea simile alla Sindone di Torino: un semplice telo evoca la presenza di Gesù.

Questo approccio tecnico collega la scultura alla sua funzione spirituale, ricercando la carica simbolica della materia.

Rappresentare l'ineffabile

L'obiettivo di Elena non è rompere con la tradizione, ma riattivarla: restituirle autorialità, rischio, emozione e pensiero critico. Perché, nella sua visione, la modernizzazione dell'arte sacra non consiste nel renderla più moderna, ma più umana.

«La Chiesa ha bisogno dell'arte. L'arte è il mezzo più spirituale con cui la contemplazione e la preghiera sono riunite in un'entità materiale che riesce ad attrarre il divino e lo spirituale come via diretta a Dio. Ha la capacità di rendere possibile ciò che è di per sé ineffabile».

E forse proprio qui sta la chiave del suo lavoro: scolpire non per imporre il divino, ma perché il divino emerga, inaspettatamente, nello sguardo dello spettatore.