Rouault: el artista católico con varias de las mejores obras de arte cristiano

– Heather King, Angelus News (Estados Unidos)

Rouault, expresionista francés y católico devoto, nació en el barrio de Belleville, en las afueras de París. “En el barrio marginal del trabajo y el sufrimiento, en la oscuridad, nací. Velando por las vilezas pictóricas, trabajé a kilómetros de ciertos diletantes”, escribió más tarde.

Su padre era ebanista, y el primer trabajo de Rouault fue como ayudante de un restaurador de vidrieras. “Mi estancia allí fue breve, pero me marcó con una huella imborrable, legendaria”, comentó. Desde entonces, recordaría el espíritu de los artistas medievales anónimos que crearon las vidrieras, pero que prefirieron no firmarlas.

En 1908 se casó con Marthe Le Sidaner; tuvieron cuatro hijos.

Ya en 1913, un crítico, Gustave Coquiot, exclamó: “Hay que ser monje para entenderlo”.

Una obra más humana que política

Rouault se vio profundamente afectado por el estallido y las consecuencias de la Primera Guerra Mundial. Entabló amistad con el escritor católico Léon Bloy, conocido por su irascible carácter, y más tarde con el filósofo Jacques Maritain y su esposa, Rāissa, ambos conversos.

Pintó a fugitivos, payasos, prostitutas, mendigos y cadáveres: las víctimas de la guerra, el materialismo y una burguesía complaciente. Pero la obra de Rouault era humana, más que política.

Como observó Rāissa Maritain, “La calidad de una obra no depende de su tema, sino de su espíritu”. Jacques Maritain señaló: “Este tipo de “realismo” no es en absoluto un realismo de las apariencias físicas; es un realismo del significado espiritual de lo que existe (y se mueve, sufre, ama y mata); es un realismo impregnado de los signos y los sueños que se entremezclan con el ser de las cosas”.

Serie de grabados ‘El Miserere’

La obra maestra de Rouault es considerada por muchos la serie de grabados en huecograbado de técnica mixta titulada “El Miserere”, que expuso en 1948. Tenía casi 80 años en aquel entonces.

Con sus sutiles tonos de negro y gris, la serie retrata el horror y la tristeza del sufrimiento humano, así como la complicidad de cada ser humano en ese sufrimiento. “¿Acaso no somos todos convictos?”, pregunta el título de una de las obras. En otra, un dibujo de un hombre engreído y bien alimentado se titula “Nos creemos reyes”. Una tercera, “Calle de los solitarios”, podría, con su evocación del aislamiento existencial, ser la calle en la que yo -o tú- vivimos.

La agitación política, la amenaza de destrucción masiva y el auge de la derecha que caracterizaron la época de Rouault no han hecho sino intensificarse en nuestros días.

En la obra «Rouault: Una visión del sufrimiento y la salvación» (William B. Eerdmans, $19.14), el autor William A. Dyrness observó:

En 1952, un escritor de la revista religiosa “La Croix” le preguntó a Rouault qué opinaba del arte religioso o sacro. Como de costumbre, Rouault se negó a entrar en el debate. Simplemente dijo que, para hablar de arte en la Iglesia, primero hay que amar la pintura.

Para Rouault, hacer arte era también una forma de oración

En una entrevista de 2010 para la revista trimestral de literatura y arte «Image», el artista Makoto Fujimura añadió:

“Rouault nos invita no solo a la superficie del cuadro, sino también a la visión sacramental que entiende la pintura como mediadora de una realidad superior. Para Rouault, hacer arte era también una forma de oración. Era una disciplina y un ritual diarios que lo acercaban a Dios”.

“Si bien estuvo influenciado por los expresionistas, no pertenecía a su corriente. No buscaba expresarse; quería santificarse en el proceso. Su obra se centraba en la fidelidad a las realidades internas, pero también a la fragilidad del mundo. Estaba muy comprometido con los márgenes de la sociedad. Al identificarse con los pobres, las prostitutas y las personas marginadas, creía que encontraría a Jesús, una perspectiva profundamente católica y bíblica, como se evidencia en los escritos de Isaías o Jeremías”.

Con ese fin, Rouault fue un ejemplo de la vocación del arte como misión y llamamiento.

Matisse y Rouault, ante la pregunta de si seguirían pintando en una isla desierta

El biógrafo Pierre Courthion ha contado la siguiente historia:

Una vez les planteé a Matisse y a Rouault la siguiente pregunta: ¿seguirían pintando una isla desierta, donde hubieran perdido toda esperanza de volver a comunicarse con sus semejantes? La respuesta de Matisse fue rotundamente negativa: “No hay artistas sin público… Un artista quiere ser comprendido, un pintor, ser contemplado”.

Rouault, en cambio, fue más reservado: “Estoy seguro de que seguiría pintando, incluso sin un solo espectador, incluso sin esperanza de tenerlo”. Comprendí que para él, tras el inevitable repliegue sobre sí mismo, que es la fuente de toda obra de arte (aunque esto pueda parecer, en un principio, egocéntrico), la creación conduce a un acto de generosidad, un regalo a la comunidad, visible o invisible. Esto debe ser así para cualquier hombre cuyo genio provenga únicamente de Dios.

El cuadro más insignificante…

Finalmente, en palabras del propio Rouault:

“El cuadro más insignificante —realizado en prisión o en palacio, por quien sea (quizás por un pobre diablo de pintor que no pidió nacer ni ser pintor)— este pequeño cuadro insignificante, por muy inexperto que sea técnicamente, refutará a todos nuestros sensatos y razonables doctores de las artes durante quizás cien años”.

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Este artículo ha sido publicado originariamente en ‘Angelus News’, y pueden encontrarlo aquí.

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